INTRODUCCIÓN A LA DIRECCIÓN DE ARTE GUIA RÁPIDA

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Espero que los contenidos aquí compartidos resulten de utilidad para quienes estén interesados en profundizar en esta profesión. Gracias por tu interés.

Sergio H.

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¿QUÉ ES LA UTILERÍA?

La utilería o atrezo comprende todos aquellos elementos que forman parte del decorado, pero no  pertenecen a la arquitectura del espacio, independientemente de si los personajes interactúan o no con ellos.

Existen distintos tipos de utilería según su función en la escena:

• Utilería de los personajes: Son los objetos que utilizan directamente los actores, como por ejemplo un maletín, un libro o una cartera.

• Utilería de acción: Se refiere a aquellos elementos que, por su función o relevancia en la narrativa, tienen una presencia destacada dentro de la escena.

Cuando la utilería ya está dispuesta en el set o locación para enriquecer visualmente el entorno, se la denomina ambientación. Por ejemplo, al ambientar un aula escolar, es necesario incluir objetos que, aunque no sean manipulados por los actores, ayudan a construir el contexto visual: papeleras, percheros, pizarrones, escritorios, etc.

Es importante destacar que se considera ambientación solo cuando la utilería está colocada en la escenografía; mientras permanece almacenada o fuera de escena, sigue siendo simplemente utilería.

Los Inicios

En los primeros años del cine, las cámaras cinematográficas permanecían fijas sobre trípodes, y las películas eran concebidas casi como representaciones teatrales filmadas.

Sin embargo, a medida que productores y directores comenzaron a descubrir el potencial del cine como un nuevo lenguaje visual, surgió la necesidad de alejarse de las limitaciones del teatro.

Fue entonces cuando el medio cinematográfico empezó a desprenderse de elementos heredados del escenario teatral, como los telones pintados, y comenzó a explorar nuevas posibilidades narrativas y visuales. Esta evolución marcó el paso del "teatro filmado" al nacimiento del cine como arte y espectáculo autónomo.

Con esta transformación, la naciente industria cinematográfica se vio obligada a construir decorados tridimensionales que aportaran mayor realismo a las escenas. En ese contexto, surgió la figura del Director de Arte, cuya labor sería fundamental para diseñar y dar vida a los espacios visuales del cine.

CABIRIA(1913) ITALIA.

INTOLERANCIA (1916)

Diseñador de Producción

El Diseñador de Producción es el profesional responsable de establecer la visión estética general de una obra audiovisual. Concibe los bocetos conceptuales iniciales y dirige el diseño visual integral de la producción, en estrecha colaboración con el director.

Su responsabilidad abarca todos los aspectos visuales que componen la ambientación de la obra: escenografía, utilería, vestuario, maquillaje y peluquería. Su objetivo es asegurar que cada elemento visual contribuya de manera coherente a la narrativa y al tono del proyecto.

Históricamente, este rol era conocido como Director de Arte. Sin embargo, con el tiempo, la denominación "Diseñador de Producción" ha pasado a utilizarse para referirse a quien lidera creativamente el departamento de arte, mientras que el término "Director de Arte" suele aplicarse hoy en día a quien se encarga de la ejecución y organización operativa dentro de ese departamento.

La primera persona reconocida oficialmente con el título de Diseñador de Producción fue William Cameron Menzies, por su destacado trabajo en la película Lo que el viento se llevó (1939).

Lo que el  Viento se  Llevó.1939

Bocetos: Lo que el Viento se Llevó

Director de Arte

El Director de Arte es el responsable de organizar y coordinar el Departamento de Arte. Actúa como principal colaborador del Diseñador de Producción, supervisando la construcción de los decorados y gestionando el presupuesto asignado al área.

Entre sus funciones se incluyen:

• Coordinar la comunicación entre los distintos equipos del departamento.

• Supervisar la ejecución de los diseños establecidos por el Diseñador de Producción.

• Aportar ideas creativas que enriquezcan la propuesta visual del proyecto.

En aquellas producciones donde no se cuente con un Diseñador de Producción, el Director de Arte asume la responsabilidad total del diseño y la ejecución artística, liderando integralmente el desarrollo visual de la obra audiovisual.

Departamento de Arte

El Departamento de Arte de una producción audiovisual está conformado por un equipo especializado encargado de crear y desarrollar la identidad visual del proyecto. Este grupo trabaja estrechamente para materializar la visión estética definida por el Diseñador de Producción.

Entre las posiciones que integran el departamento se encuentran: Diseñador de Producción, Director de Arte, Decorador, Ambientador, Asistentes, Dibujantes, Pintores, Constructores, Carpinteros, Yesistas, Tapiceros, Jardineros, Grafistas  escultores, maquetistas, armero, Regidor, entre otros profesionales especializados.

Cada miembro aporta su experiencia y habilidades para garantizar que los espacios, objetos y ambientes contribuyan de manera coherente y efectiva a la narrativa audiovisual.

William Cameron Menzies primer Diseñador de Producción.

Espacio Escénico

El espacio escénico es el lugar donde se desarrolla la acción de una secuencia y, por lo tanto, aquello que el espectador ve a través de la cámara. Este espacio puede estar conformado por decorados construidos en estudio, locaciones naturales o locaciones adaptadas para la filmación.

Asimismo, se consideran espacios escénicos los exteriores utilizados en la narrativa, tales como calles, plazas, bosques, playas, entre otros entornos reales.

En todos los casos, el espacio escénico cumple una función narrativa y estética fundamental, ya que contribuye a la ambientación, el contexto y el verosímil de la obra audiovisual.

Locaciones Adaptadas

Se denomina locaciones adaptadas a aquellos espacios reales y cotidianos que han sido modificados para ajustarse a las necesidades narrativas y estéticas de una producción audiovisual. Esta intervención puede implicar la construcción parcial de decorados, la ambientación del entorno o la ocultación de elementos que no pertenecen al universo de la historia.

El uso de locaciones adaptadas permite, entre otras ventajas, reducir costos de producción en comparación con la construcción total de escenografías en estudio. Además, estos espacios pueden ser transformados para simular otros lugares, especialmente cuando filmar en el sitio original no es posible por razones logísticas, legales o presupuestarias.

Un ejemplo emblemático de este recurso se encuentra en una producción de la saga James Bond, en la que una secuencia debía desarrollarse en el malecón de La Habana y en una penitenciaría cubana. Sin embargo, la filmación tuvo lugar en la ciudad española de Cádiz, ubicada a miles de kilómetros del lugar representado en pantalla.

"Lo que singulariza al cine frente a muchas otras expresiones artísticas es su carácter fundamentalmente colectivo, materializado a través de la confluencia del talento y el esfuerzo de numerosos profesionales."

El COLOR

Existen seis colores básicos en el espectro visible: rojo, naranja, amarillo, verde, azul y violeta.

La combinación de los tres colores primarios de la luz rojo, verde y azul (RGB) produce luz blanca.

Los colores pueden clasificarse en cálidos y fríos:

• Los colores cálidos tienden a acercarse visualmente a la cámara y generan una sensación de intimidad o pequeñez.

• Por el contrario, los colores fríos producen el efecto de alejarse de la cámara, ampliando el espacio visual y generando una percepción de mayor dimensión.

La saturación se refiere a la pureza de un color: un color al 100% de saturación es su forma más intensa. Sin embargo, la percepción de la saturación puede variar según la textura de la superficie: una superficie rugosa tiende a hacer que el color luzca menos saturado que una superficie lisa.

En el lenguaje audiovisual, la luz es la herramienta principal del Director de Fotografía, mientras que el pigmento lo es para el Diseñador de Producción o el Director de Arte. Juntos construyen lo que se conoce como la paleta de color de la obra, un elemento clave para la narrativa visual.

Los artistas plásticos, a lo largo de la historia del arte, constituyen una fuente inagotable de inspiración para

El color como recurso narrativo

El color desempeña un papel fundamental en la narrativa visual de una producción audiovisual. Contribuye a transmitir emociones, reforzar la atmósfera y crear el clímax dentro de los decorados, convirtiéndose en una herramienta clave para la construcción de significado y la visión estética general del proyecto.

Un ejemplo destacado de este uso simbólico del color se encuentra en la película Pleasantville (1998, EE. UU.). En esta producción, el color no solo cumple una función estética, sino que está profundamente integrado al guion: su aparición progresiva en una sociedad inicialmente en blanco y negro refleja un conflicto social y cultural, evocando una metáfora del cambio, la rebelión y la ruptura de estructuras conservadoras, incluso con connotaciones de discriminación racial y transformación ideológica.

  

Pleasantville (1998)

LA PRE-PRODUCCIÓN

El primer paso en el trabajo de un Director de Arte o Diseñador de Producción suele comenzar con una llamada telefónica, generalmente por parte del productor o del director, especialmente si ya han trabajado juntos anteriormente. En esa instancia, se lo convoca a una entrevista en la productora para entregarle el guion y dialogar sobre los plazos de trabajo, sus honorarios y el enfoque general del proyecto.

Una vez recibido el guion, el Director de Arte lo analiza cuidadosamente y mantiene una reunión con el director de la película para conocer sus ideas, deseos y el tono visual que desea imprimirle al film. A su vez, el Director de Arte comparte su visión estética, y en algunos casos ya ha preparado bocetos o reunido referencias visuales que sirvan como punto de partida para la construcción del universo visual.

El siguiente paso consiste en convocar a su equipo habitual, considerando el presupuesto disponible y evaluando cuál es la mejor estrategia para llevar adelante la producción: construcción de decorados, uso de locaciones naturales o adaptación de espacios reales.

Una vez definido el enfoque, se establece la oficina de arte, donde comienza la etapa de desarrollo visual: búsqueda de referencias, realización de bocetos, construcción de maquetas arquitectónicas, armado de carpetas técnicas y distribución detallada del presupuesto.

En algunos casos, el Director de Arte puede encontrarse con ciertas limitaciones o falta de colaboración por parte del equipo de producción, lo que implica un desafío adicional a la hora de defender y ejecutar una propuesta estética sólida. Sin embargo, afortunadamente, estas situaciones no son frecuentes.

Con el equipo ya conformado y las decisiones creativas y técnicas en marcha, se inicia la construcción de los decorados, la planificación de tiempos, y la búsqueda y selección de utilería, dando forma concreta a la visión artística de la película.

Matte Painting

Aunque pueda parecer una técnica moderna, el matte painting se remonta a los inicios mismos del cine. Su función principal es crear o modificar visualmente áreas del encuadre que no existen en la realidad, ya sea para completar un decorado o para representar espacios imposibles de construir o filmar.

En sus orígenes, esta técnica se realizaba de manera artesanal, pintando sobre vidrios o utilizando maquetas tridimensionales. La pintura se colocaba frente a la cámara, mientras los actores actuaban entre la pintura (generalmente sobre vidrio) y una porción del decorado construido a escala real (1:1). Era fundamental que la escala fuera exacta y que los actores no interfirieran con la composición visual para mantener la ilusión.

La cámara debía permanecer en un plano fijo, ya que cualquier cambio de ángulo podía revelar el truco. Esta técnica se utilizaba principalmente por limitaciones presupuestarias o logísticas, cuando no era posible construir o acceder físicamente a ciertos espacios.

Con el avance de la tecnología, el matte painting ha evolucionado hacia procesos digitales. Hoy en día, se utilizan técnicas de pintura digital en 2D y modelado en 3D, integradas en la postproducción mediante software especializado. Esto ha ampliado enormemente las posibilidades visuales y creativas, permitiendo una mayor libertad de cámara y una integración más fluida con los elementos reales.

   

En la película de 1948 de Alfred Hitchcock, El Caso Paradine, producida por Selznick International Pictures, se observa una notable secuencia en la que se utiliza la técnica de matte painting. En esta escena, un personaje interpretado por Gregory Peck recorre las amplias estancias de una casa en Londres.

Uso de Matte Painting

La elaborada decoración de los interiores no se logró mediante un rodaje en exteriores. En su lugar, se empleó el matte painting para complementar o sustituir los decorados físicos. Esta técnica, que combina pintura y rodaje en un mismo plano, permitió a la producción evitar los altos costos logísticos de trasladar al equipo técnico y al elenco a una locación real, optimizando así el presupuesto sin sacrificar la calidad visual de la escena.

Razones de la Elección Técnica

La elección de esta técnica responde a una estrategia de optimización de recursos. El matte painting se presenta como una solución efectiva para recrear entornos complejos o costosos, ofreciendo un resultado realista y detallado que se integra de manera fluida con la acción filmada, demostrando la habilidad del estudio para resolver desafíos de producción con ingenio y maestría técnica

Antes                                                                                                       Después

El Caso Paradine

El Arca de Noé 1927

La Carrera del Siglo

El Mundo esta Loco, Loco, Loco 1963

Localización 

Matte painting en la era digital: Herramientas Contemporáneas 

En la actualidad, las técnicas de matte painting digital, tanto en 2D como en 3D, han experimentado una notable democratización, volviéndose accesibles incluso para usuarios no profesionales. Esta facilidad se debe al avance y la disponibilidad de software especializado.

Para la creación de matte paintings de alta calidad, se emplean diversas herramientas digitales:

• Retoque Fotográfico y Composición: Programas como Adobe Photoshop son fundamentales para la manipulación de imágenes, texturizado y composición de elementos visuales.

• Pintura Digital: Herramientas como Corel Painter permiten la creación de texturas y fondos con un acabado artístico y detallado.

• Efectos Visuales y Composición Avanzada: Adobe After Effects es crucial para integrar capas, aplicar efectos especiales y animar elementos dentro del matte painting.

• Modelado y Renderizado 3D: Software como Autodesk Maya, Cinema 4D y Rhinoceros facilitan la creación de entornos tridimensionales, objetos y arquitectura compleja que pueden integrarse en el matte painting.

• Edición de Video: Cualquier software de edición de video moderno también es útil para integrar y finalizar secuencias que contengan matte paintings.

• Inteligencia Artificial: Gracias al avance y la accesibilidad de las herramientas de inteligencia artificial."

Es importante destacar que el uso eficiente de estas aplicaciones requiere un equipo informático con capacidad de procesamiento y memoria RAM adecuadas.

Además, la vasta oferta en línea incluye numerosas alternativas de software  de pago y gratuitas que ofrecen funcionalidades comparables a las de pago, permitiendo obtener resultados profesionales sin una inversión económica inicial.

Para profundizar en el conocimiento de esta técnica, se recomienda consultar recursos y tutoriales disponibles en la red, que facilitan el aprendizaje y la aplicación práctica del matte painting digital.

http://www.artdirectors.org/

http://www.thegnomonworkshop.com/

http://www.mattepainting.org

http://www.dusso.com/

http://www.meduzarts.com/

http://www.fxguide.com

EQUIPO Y MATERIALES

Aunque la habilidad del artista es fundamental para la ejecución y el acabado de los bocetos, la utilización bocetos, la utilización de materiales de calidad superior optimiza significativamente la experiencia creativa y facilita la consecución del resultados  profesionales.

Portaminas: Debido al grosor de su mina, el portaminas es ideal para la creación de líneas de diversos espesores. Para lograr una variación en el trazo, se recomienda girar el instrumento durante el dibujo. Su diseño prescinde del soporte de madera, presentando un cuerpo fabricado en metal o plástico, y permite almacenar múltiples minas de grafito en su interior, lo que optimiza la continuidad del trabajo.

 Lápiz: cuerpo de madera que lleva una mina de grafito, se utiliza para dibujar, delinear y escribir. Hay que dejar al descubierto unos 2cm de mina para que se pueda afilar. Con los diferentes tipos de lápices se pueden hacer dibujos de calidad, la elección es una cuestión de gusto y habilidad propia.

 DUREZAS DE MINAS RECOMENDADAS

✏️ Clasificación y Uso de Lápices Técnicos

Lápices 4H

• Mina extremadamente dura y compacta.

• Recomendados para trazos precisos en planos técnicos.

• No aptos para ilustraciones de acabado o sombreado.

• Se debe evitar aplicar presión excesiva al dibujar.

• No permiten obtener copias de calidad debido a su baja pigmentación.

Lápices 2H

• Mina semidura, adecuada para delineados de acabado con alta definición.

• Su trazo es resistente al borrado si se aplica demasiada presión.

• Ideal para trabajos que requieren limpieza y nitidez en el trazo.

Lápices F y H

• Mina semiblanda, versátil para diversas aplicaciones.

• Recomendados para proyecciones, esquemas de distribución, rotulación y acabados.

• Ofrecen un equilibrio entre precisión y suavidad en el trazo.

Lápices HB

• Mina blanda, adecuada para trazos intensos, expresivos y rotulación.

• Requieren destreza para lograr líneas suaves y controladas.

• Se borran con facilidad y permiten obtener copias de buena calidad.

• Su trazo tiende a difuminarse si no se fija adecuadamente.

✏️ Dureza de las Minas

La dureza de las minas de lápiz varía según diversos factores:

• Tipo de mina: Existen diferentes grados, desde 9H (extremadamente dura) hasta 6B (extremadamente blanda).

• Tipo y acabado del papel: Cuanto mayor sea la rugosidad del papel, más dura debe ser la mina para lograr trazos definidos.

• Superficie de dibujo: En superficies más duras, la mina tiende a parecer más blanda.

• Humedad ambiental: La humedad puede aumentar la dureza aparente de la mina.

• Minas especiales: Se fabrican minas a base de polímeros para trabajar sobre superficies como acetatos.

🖊️ Calidad de la Línea

La calidad del trazo depende de varios elementos:

• Claridad y precisión

• Tono y densidad

• Peso visual del trazo

📐 Instrumentos de Dibujo Técnico

Reglas

• Utilizadas para medir distancias lineales y ángulos.

• Se recomienda que sean transparentes para facilitar la visibilidad.

• El canto debe ser recto y uniforme.

• No deben utilizarse como guía de corte, especialmente en los extremos, donde puede haber oscilación. Es preferible que sean lo suficientemente largas para evitar trabajar en esa zona.

Escuadra

• Regla triangular con un ángulo de 90° y dos de 45°.

• Las versiones pequeñas son ideales para sombrear áreas reducidas y para rotulación manual.

Cartabón

• Regla triangular con ángulos de 90°, 30° y 60°.

• Complementa a la escuadra en la construcción de ángulos diversos.

Plantillas

• Permiten dibujar círculos pequeños de radio constante y curvas de radios variados.

• Existen plantillas con formas geométricas, mobiliario, vegetación y otros elementos específicos.

Compás

• Herramienta para trazar círculos de radio variable, tanto pequeños como grandes.

• Es especialmente útil en trabajos realizados con tinta.

Goma de borrar

• Se recomienda utilizar gomas blandas, compatibles con el tipo de trabajo, para evitar el deterioro del papel.

Escalímetro

• Regla graduada con divisiones calibradas que permite trabajar en distintas escalas.

📏 Escalas Métricas Comunes

1:100 / 1:125 / 1:200 / 1:250 / 1:500 / 1:750 / 1:1000

A diferencia de la tinta, cuya variación se limita principalmente al grosor del trazo —exceptuando casos en los que se diluye— el lápiz ofrece una mayor flexibilidad expresiva, al permitir modificar tanto la anchura como la intensidad tonal de la línea.

🛠️ Puesta en marcha 

Una vez que el guion esté en nuestras manos, el primer paso consiste en realizar una lectura minuciosa. Durante este proceso, se recomienda anotar a lápiz en los márgenes todas las dudas, observaciones e ideas que surjan de forma espontánea. Estas pueden estar relacionadas con el estilo narrativo, el contexto histórico, los personajes, las locaciones, los efectos especiales, entre otros aspectos relevantes.

Registrar cada pensamiento o inquietud es fundamental, ya que permite estructurar mejor los conocimientos previos y facilita una comunicación más precisa y efectiva con el director y el productor. Esta preparación inicial contribuye significativamente al desarrollo de una propuesta técnica y creativa bien fundamentada.

Nueva información añadida en 2009 y 2010

100 AÑOS DE DIRECCIÓN DE ARTE
(The Art Director`s Guild)

EL ARTE DEL DISEÑO DE PRODUCCIÓN

Entrevista informativa sobre el rol actual de los diseñadores de producción en la industria cinematográfica y audiovisual, destacando su contribución creativa y técnica mediante la integración de diversas metodologías y enfoques de trabajo.

La técnica del croma en la dirección de arte

La técnica del croma, que utiliza fondos de color azul o verde, se ha convertido en una herramienta fundamental en la dirección de arte para la composición digital. Esta herramienta permite integrar elementos del rodaje con fondos en 2D y 3D, ya sean fijos o en movimiento.

Existen varios tipos de croma, ROJO-VERDE-AZUL  aunque los más comunes en la actualidad son el azul y el verde. La elección entre uno y otro depende de factores como la iluminación, el vestuario de los actores y el color de los objetos que se van a filmar.

Históricamente, también se utilizó la pantalla azul, una superficie rígida y retroiluminada. Aunque proporcionaba un color muy intenso, su uso ha disminuido notablemente debido a la complejidad que suponía su manipulación y a la mayor versatilidad de las telas de croma portátiles, más adecuadas para las exigencias de la producción moderna.

La técnica del fondo azul o verde, llamado "Croma" se va aplicando cada vez mas en la dirección de arte, para combinar fondos en 2d y fondos en 3d. Recuerde que hay varios tipos de fondo croma.

Realización del diseño de producción "300"

¿Cómo se hizo el arte de Los mensajeros?

El BOCETO

Herramienta Fundamental en la Dirección de Arte

El boceto es una herramienta clave para el director de arte, ya que le permite materializar la visión de los espacios dramáticos que requiere el guion. Independientemente de si son detallados o conceptuales, estos diseños son el medio más eficaz para comunicar la propuesta visual al director.

Además de servir como un recurso de validación, el boceto facilita la coordinación con otros departamentos. Permite que el director de fotografía comprenda la iluminación y la composición, y ayuda al equipo de producción a planificar los recursos, el estilo y las necesidades de construcción del set.

Estos diseños pueden presentarse de forma esquemática o con un gran nivel de detalle y perspectiva. Su elaboración no tiene límites creativos, pudiendo ser realizados a mano alzada en blanco y negro, o a color, utilizando una variedad de materiales como acuarelas, marcadores, acrílicos o lápices.

La tecnología moderna también ha transformado esta disciplina. Los bocetos digitales se crean con software especializado como programas de modelado 3D, Photoshop, Painter o Corel Draw,  SketchUp es un programa de diseño grafico en tres dimensiones basado en caras, asi como alternativas gratuitas que ofrecen funcionalidades similares

Un método innovador y muy útil es el matte painting, que consiste en intervenir digitalmente fotografías de localizaciones reales. Utilizando programas como Photoshop, el artista puede superponer capas, incorporar elementos de otras imágenes e incluso dibujar sobre la fotografía original para transformar el espacio existente en el ambiente visual deseado.

La inteligencia artificial es una herramienta valiosa para la generación de ideas.

Finalmente, el boceto sirve como punto de partida para la construcción de los decorados, que pueden ser una réplica fiel del diseño original o simplemente una interpretación que capture su esencia.

Producción: Lo Siniestro 2007

Distinción entre Boceto y Plano en el Diseño de Producción

En el ámbito del diseño de producción, es crucial diferenciar entre un boceto y un plano técnico, ya que ambos cumplen funciones distintas y complementarias en el proceso de creación de un decorado o un set.

El Boceto: 

Es una representación visual y artística que capta la atmósfera, la luz, el color, la textura y el estilo general del decorado. Su objetivo principal es comunicar la visión creativa del diseñador al director, permitiendo una comprensión rápida y conceptual del ambiente deseado. Sirve como una herramienta inspiradora y de referencia para la dirección de arte y otros departamentos.

Tenemos que distinguir que un boceto no es un plano. Los bocetos representan una vista con su ambientación, la luz, el color y las texturas, facilitan la visión del director. Mientras que un plano, es un dibujo con medidas , acotaciones y escalas, que sirve para construcción y presupuestar, así como saber que espacio nos ocupará.

El Plano Técnico: 

Es un documento de ingeniería detallado y preciso. Contiene medidas, acotaciones, y escalas exactas. Su función es práctica y fundamental para la construcción. Proporciona la información necesaria a los equipos de carpintería, construcción y montaje para construir el decorado con precisión. Además, es indispensable para la elaboración de presupuestos y para determinar el espacio que ocupará el set dentro del estudio o la locación.

Diversas técnica de bocetos

LOS PANÓTS

En el diseño de producción para cine, los panots de madera (conocidos en inglés como flats) son los elementos fundamentales para la construcción de decorados. Son piezas modulares, ligeras y versátiles que se utilizan para crear paredes, techos y otras superficies de un decorado.

Un panot es un bastidor rectangular, generalmente construido con listones de madera de pino o abeto. Su estructura interna, similar a un marco de madera, está diseñada para ser resistente pero lo suficientemente ligera como para ser movida y reubicada con facilidad. Una vez construido, este marco se cubre con un material de revestimiento, como contrachapado fino, aglomerado o lienzo, que forma la superficie sobre la que se aplicará el acabado final (pintura, papel tapiz, etc.).

Tipos y Usos

Existen varios tipos de panots que se adaptan a diferentes necesidades:

Panot Abierto (Open Flat): Consiste únicamente en el bastidor de madera sin ningún revestimiento. Se utiliza cuando se necesita ver la estructura de madera, por ejemplo, para crear un efecto de "set en construcción" o para permitir que la luz pase a través de la pared.

Panot Cubierto (Covered Flat): Es el tipo más común. El bastidor se cubre con contrachapado o lienzo, creando una superficie lisa que se puede pintar, empapelar o texturizar. Son los componentes principales para construir paredes de habitaciones, fachadas y otros elementos sólidos del decorado.

Panot con Patas (Legged Flat): Es un panot cubierto al que se le añaden soportes en la base, lo que le permite mantenerse de pie por sí solo. Esto es esencial para los decorados que no tienen techo y necesitan estabilidad en el suelo.

El material por excelencia en la construcción de las escenografías es la madera, tanto listones como planchas. Se usa cualquier madera, pero por tema costo y peso, suelen usarse el pino. Los terciados, contrachapados, dm etc. Son algunas de las mas usadas. 

Modularidad y Medidas Estándar en la Construcción de Panots

Los panots de madera se fabrican con medidas estándar que permiten un montaje modular, similar a un sistema de construcción por piezas. Esta estandarización es crucial para la eficiencia, la reutilización y la planificación precisa en el diseño de producción.

• Anchos Estandarizados: Los panots se construyen en una variedad de anchos predeterminados, como 100 cm, 50 cm, 30 cm, y 15 cm, entre otros. Este sistema modular permite a los constructores combinar diferentes tamaños para crear cualquier dimensión de pared requerida, optimizando el uso de materiales y el tiempo de montaje.

• Altura Estándar: La altura más común para un panot estándar es de 300 centímetros. Esta medida ha sido establecida en la industria para adaptarse a la mayoría de los requerimientos de decorados, facilitando el diseño y la construcción de decorados con alturas consistentes y predecibles.

• Construcción de Aberturas: Para crear elementos como ventanas, puertas y dinteles, se utilizan los mismos paneles estándar, pero reconfigurados. En lugar de usar panots verticales, se insertan piezas más cortas de forma horizontal en la estructura de la pared. Esta técnica permite formar los huecos de manera precisa y robusta, manteniendo la integridad estructural del set.

Este enfoque modular no solo agiliza el proceso de construcción, sino que también facilita la adaptación y el cambio de diseño del set durante la producción, ofreciendo una flexibilidad inigualable en el entorno del cine.

Explicación de un panel estándar

Los panots están construidos con madera contrachapada de 3 o 4 milímetros de grosor, reforzados con una estructura de listones —conocidos en España como riostras— de sección 3 × 2 cm, ensamblados mediante encolado y clavado. Esta combinación proporciona piezas resistentes y ligeras.

Cada panot tiene una altura estándar de 3 metros y un ancho base de 80 centímetros. Además, existen variantes de ancho en 30 cm, 50 cm, etc., lo que permite componer paños de diferentes dimensiones como si fueran piezas de un puzzle, adaptándose a las necesidades específicas del proyecto.

📽️ Elementos de un Panót de Cine

En la ilustración se aprecian los distintos componentes que conforman un panó de cine. En este caso, la estructura de listones —conocida en el ámbito cinematográfico como riostras— presenta una distribución sencilla. Lo habitual es que estas riostras formen una cuadrícula, compuesta por listones horizontales y verticales que aportan estabilidad y soporte al conjunto.

Determinados montajes, es necesario utilizar paños de panots montados sobre bastidores de hierro o madera con ruedas, para facilitar su desplazamiento en escena. Esta solución se emplea cuando el peso de los elementos escenográficos o la necesidad de cambios rápidos de escenografía así lo requieren, permitiendo desmontar o reconfigurar partes del decorado de forma ágil y segura.